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Jean-Jacques Lemêtre / Raphaëlle Saudinos - Acteurs, actrices : jouer avec la musique

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Lieu de la Formation :

Paris 12e

Modalités et date d'inscription :

Candidature jusqu'au 15 octobre
Envoyez CV + lettre de motivation + photo à arta@artacratoucherie.com
Nous vous recontacterons pour fixer une date d'entretien

Conditions d'admissibilité (public concerné et pé-requis) :
A destination de comédiens, danseurs, metteurs en scène, auteurs, chorégraphes, ayant une expérience significative dans leur domaine

Date(s) de début de la formation / des sessions :

5 novembre 2018

Durée :
5 novembre 2018

Coût de la Formation / Financement :

600 € individuel / 1200€ organisme

Contenu, objectif et condition de validation de la formation :

Objectif pédagogique :
Ce stage vise à élargir les compétences de tout artiste de la scène qui, dans son travail créatif veut chercher, découvrir et expérimenter ses potentialités rythmiques, mélodiques, harmoniques. Prenant appui sur son expérience de compositeur musical au Théâtre du Soleil, « second poumon de la création », Jean-Jacques Lemêtre interroge l’acte théâtral dans ses rapports à ce qui l’environne. Sa démarche appelle à un nouvel apprentissage de la rythmique du corps et de la métrique du langage.

En engageant sa marche, ses déplacements, son mouvement, ses ponctuations, son souffle, sa vitesse de parole, ses timbres, etc., chacune, chacun commencera par explorer son propre langage dans sa spécificité, non seulement à travers la voix mais à travers tout le corps.

La conception et l’approfondissement de la relation entre le rythme et la musique de théâtre passeront par des exercices collectifs et individuels qui conduiront à un processus d’élaboration musicale, moteur de dramaturgies reliant les questions empiriques qui se posent au cours du travail sur le plateau aux grandes interrogations concernant l’état du monde et ses évolutions.

Jean-Jacques Lemêtre incite ainsi à dépasser la technique, en faisant par exemple valoir l’analogie entre les problèmes de dissociation et la disharmonie de l’être humain. Destiné aux performeurs en scène, acteurs, danseurs, chanteurs ou musiciens, ce stage exigera ainsi de développer dynamique, agileté et profondeur.

Programme / Contenu de la formation :
Ce stage s’organisera en séries de travaux rassemblées par des thématiques à la fois distinctes et sans cesse croisées pour éviter le mécanisme, les automatismes, en étant dans la découverte et la surprise. Les propositions s’articuleront sur :
– le travail sur la respiration et le diaphragme
– la gestion de la peur, du stress et des angoisses en scène
– l’apprivoisement du temps, du tempo et du rythme
– la compréhension de la pulsation (isochrone) et de la pulsion

– le travail de la langue, de la métrique : « avec et sans état « ; de la musique de la parole ;
– le temps et/est la mesure du mouvement
– le travail sur le binaire et le ternaire & quinténaire
– les bases du « temps lisse » (occuper le temps sans le compter), et du temps « strié » (compter le temps pour l’occuper), ainsi que le temps « suspendu » (donnant un sentiment d’éternité)

– la coordination rythmique des gestes du corps : indépendance, interdépendance, & dépendance
– latéralisation et spatialisation
– les marches, les déplacements dans l’espace ;

– « l’entrée en scène » ; le jeu improvisé ;

– le travail théâtral de la présence corporelle et vocale : voir ce que l’on fait et se voir en train de le faire
– le travail choral et du chœur ; le parlé-chanté; le chanter ce que l’on vient de parler
– l’ écoute et analyse du parlé-chanté

Les matériaux de travail et d’exploration comprendront :
- Textes et chansons de Léo Ferré, Alain Bashung, Serge Gainsbourg, Brigitte Fontaine, Bono du groupe U2, Bob Dylan, Roger Waters du Pink Floyd, Lou Reed
- Ecoute et analyse du Sprechgesang : Pierrot Lunaire d’Arnold Schönberg, Wozzeck d’Alan Berg, Œdipe de George Enesco

Une « courbe » se construira ainsi, depuis la simplicité des premiers exercices du corps, jusqu’à la complexité du jeu au plateau. Les exercices seront individuels ou collectifs. On travaillera sans instrument de musique, si ce n’est une simple percussion. Tout le « corps-esprit » de l’acteur sera sollicité pour lâcher prise, et apprivoiser une rigueur et une conscience rythmique qui permettent de donner à la fois plus de densité et plus de liberté au jeu, à la parole, au rapport à l’espace, et un vrai rapport au silence.

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